Películas B

Retomamos la actividad con una película de bajo presupuesto con dirección y guión de George Bonilla. Se trata de una producción que combina la clásica historia policial con el slasher, que a pesar de sus imperfecciones me hizo pasar un rato entretenido y me pareció carne de este blog.

Hell-ephone inicia con un asesino en serie conocido como "El monstruo marino" (Michael S. Shouse) mientras comete el que a la postre será su último crimen antes de ser capturado por el detective Mike Stone (Billy W. Blackwell). Posteriormente presenciamos la ejecución en la silla eléctrica de este criminal que solo pareciera albergar buenos sentimientos para su madre (Mary Bondurant), pero se niega a mostrar arrepentimiento alguno sobre los actos cometidos y solo piensa en volver desde el más allá y vengarse de todos los que le han hecho daño a él o lastimen a su madre.


Todo esto ocurre bastante rápido, dentro de los primeros 25 minutos de la película, a partir de ese punto el ritmo baja un poco y el director nos presenta el segundo aspecto que da vida a esta historia: un grupo de estudiantes y el peculiar juego que llevan a cabo bajo la tutela de uno de sus profesores. El juego consiste en revisar las listas de fallecidos, averiguar todos los detalles de sus vidas y después llamar durante el funeral a alguno de sus allegados haciéndose pasar por el fallecido como si este los estuviera llamando desde el más allá.


En un principio esto no sería más que una broma de mal gusto, pero todo se complica cuando deciden llamar a la mamá de "El Monstruo marino" y la señora muere en el acto a consecuencia del tremendo susto que le causa volver a oír a su difunto hijo.


En el velorio se encontraban presentes los detectives Stone y Tony Fusco (Frank Santoroski), quienes al instante ordenan que sea rastreado el número del que provino esa llamada, pero el equipo de estudiantes del profesor Goldman (Ari Lehman), alias "The Circuit Maker", parece haber hecho bien sus deberes y no puede ser localizado.


En este punto de la reseña es bueno agregar algo más de información sobre Ari Lehman. Si bien su personaje no tiene tantos minutos en pantalla como otros actores de Hell-ephone, es importante señalar que el actor que da vida a este profesor algo desequilibrado fue en su día el encargado de interpretar a un joven Jason en la primera de las películas de Viernes 13. Luego de su breve participación en esa popular película se apartó del mundo del cine y se dedicó a estudiar música, pero desde 2006 está de vuelta y ha participado en un buen número de producciones de bajo presupuesto como esta.

Damos inicio a las reseñas del mes de octubre con la esperanza de que este mes resulte más prolífico que el anterior en cuanto a producciones geniales que pasen por mis manos. El día de hoy hablaremos de Cleopatra Wong (conocida también bajo el título extendido de They Call Her... Cleopatra Wong), una película cargada de acción y que fue una coproducción realizada entre Singapur y Filipinas y dirigida por Bobby A. Suarez.

La acción inicia con nuestra protagonista, Cleopatra Wong (Marrie Lee), en la cama disfrutando de las caricias de un hombre cuando es interrumpida por el repique del teléfono. Se trata de su jefe en Singapur, quien le avisa de una misión de vital importancia que requiere de su atención inmediata, algo casi tan terrible como el inicio de la Tercera Guerra Mundial (sus palabras, no las mías).


Cuando se reporta en el cuartel general en Manila, ciudad en donde estaba disfrutando de sus vacaciones, su jefe en Filipinas le da los detalles del caso: alguien está falsificando el papel moneda de varias repúblicas asiáticas y el resultado son billetes casi imposible de reconocerlos como falsos; algo que podría traer graves consecuencia a la economía de esos países. Por lo tanto, su misión consiste en viajar a Singapur y dar con estos falsificadores.


El plan de nuestra agente de la Interpol no destaca por su lógica, ya que consiste en comprar un artículo muy costoso en una joyería y pagarlo con los billetes que recibió de su jefe para así llamar la atención de los falsificadores. Uno pensaría que el objetivo de esta red de falsificación es precisamente que estos billetes entren en circulación masivamente, pero por supuesto que el plan de Cleopatra Wong funciona y estos bandidos la raptan para que ella les revele cómo hizo para obtener esos billetes.


Todo esto se extiende hasta casi los 30 minutos de película. Porque recuerden cómo son las reglas, aunque el malo tenga decenas de matones a su servicio los enfrentamientos deben darse de uno en uno para que el bueno tenga todas las posibilidades de salir indemne del combate.

Blood Voyage fue el único trabajo como director de Frank Mitchell, un nombre que probablemente no les diga nada pero se ve que pasó su vida relacionado con el mundo del cine puesto que según IMDb participó en 86 películas, aunque la mayoría de sus papeles fueron como extra.

Un grupo de siete personas emprende un viaje en yate hacia Hawái y durante el viaje uno a uno empiezan a desaparecer o ser asesinados los tripulantes de la embarcación. El viaje lo ha organizado Jules (John Hart), un psiquiatra que planea casarse con Jill (Laurie Rose), su joven prometida, al llegar a la isla. En la aventura son acompañados por la hija de Jules, Carol (Mara Modair), quien no mantiene la mejor de las relaciones con su padre y no aprueba esa unión porque pone en peligro su herencia y Amy (Midori), una paciente psiquiátrica con problemas de adicción a las drogas bajo el cuidado del doctor Jules. A bordo les esperan Mack (Pete Kellett), el capitán del barco, y sus ayudantes Pete (Doug Hume) y Scotty (Gene Tyburn).


A continuación hay una escena en la que Jules y Mack hablan de un tal Andy Mason (Jonathan Goldsmith), quien fue dado de baja del ejército tras haber servido en Vietnam y que pasará por ahí a saludar antes de que ellos partan rumbo a su destino. Esa primera noche alguien asesina con un hacha a Pete, pero a la mañana siguiente simplemente piensan que no se presentó a trabajar y le ofrecen a Andy su puesto como miembro de la tripulación, a lo que este accede y se les une en el viaje.


A decir verdad no hay mucho más que contar sobre la película. Dura apenas 75 minutos y al poco tiempo de haber zarpado ocurre la segunda muerte, las otras se suceden rápidamente hasta llegar a la confrontación final. Por otra parte, si bien el perfil de cada personaje está pensado para que uno sospeche de cualquiera de ellos apenas se produzca la primera desaparición, en mi opinión, uno de ellos resulta más evidente que el resto y en el desenlace resultó que efectivamente había acertado mi suposición.


A pesar de las múltiples muertes que ocurren a bordo de esta embarcación, no es mucha la sangre que se exhibe en pantalla en Blood Voyage. De no ser por una larga escena al comienzo con los senos de Carol descaradamente visibles y otra en la que se muestra al detalle la preparación de una jeringa con heroína, diría que la película luce más bien como aquellas producciones para televisión de los años 70 que una película con elementos de terror con nivel para la gran pantalla.

Teníamos tiempo sin reseñar en este blog una película que me hubiese resultado un suplicio verla, pero esas también tienen cabida en esta página y tal es el caso de Wheeler o, como es conocida a partir de la reedición de 1982, Psycho From Texas.

Al hablar de reediciones y cambios de título inmediatamente me vino a la mente Blood of Ghastly Horror y se trata de un caso similar. Durante el final de 1974 y el comienzo de 1975 Jim Feazell, quien hasta entonces solo había tenido contacto con el mundo del cine como doble de acción, completó la filmación de Wheeler, debutando por todo lo alto al asumir los puestos de director, productor y guionista. Lamentablemente para él la película resultó ser un fiasco y entre 1978 y 1979 fueron filmadas nuevas escenas para incorporar flashbacks de la infancia del protagonista siendo maltratado por su madre y además una de las primeras apariciones de Linnea Quigley en la gran pantalla. Esta nueva versión fue conocida como The Mama's Boy y posteriormente como The Hurting, pero tampoco consiguió distribuidor.


Frustrado ante tantos reveses, Jim Feazell decidió vender todos los derechos de la película y dejarse de quebraderos de cabeza. El nuevo propietario de este largometraje realizó una nueva edición con más modificaciones y otra banda sonora y el resultado es lo que hoy conocemos como Psycho From Texas, disponible solo en VHS. También encontré referencias a otras dos versiones tituladas Evil + Hate = Killer y The Butcher.

Wheeler (John King III) es la versión adulta de aquel niño que en las escenas retrospectivas vemos que tuvo una infancia marcada por el abuso físico y psicológico por parte de su madre y ahora se gana la vida cometiendo diversos crímenes a lo largo del país. En esta oportunidad es contactado por Steve (Reed Johnson), para que rapte a su futuro suegro y pida 200 mil dólares como rescate.


A su llegada al pueblo Wheeler, de manera fortuita, hace contacto con la que será su víctima, por lo que cuando descubre que deberá raptar a William Phillips (Herschel Mays), magnate petrolero local, la tarea de ganarse su confianza resulta mucho más sencilla.


Hasta ahí todo va bien o al menos dentro de lo normal para cualquier thriller de bajo presupuesto de los años 70. La situación se sale de control una vez que Wheeler secuestra a Bill Phillips y lo deja bajo el cuidado de su asistente (Slick, interpretado por Tommy Lamey). La víctima consigue escapar de su captor en tiempo récord y esto da inicio a una persecución a pie por el bosque que se extiende por 26 minutos. El perseguidor es más joven y delgado y se mantiene muy cerca todo el tiempo pero nunca logra darle alcance a Bill de forma definitiva. Es algo alucinante, hay música campirana, cerdos que se atraviesan en el camino y un momento en el que Slick y Phillips caen uno sobre el otro rendidos por el cansancio. No sé quién está peor, si Feazell por haber rodado algo así o yo por haberlo visto.

Retomamos el cine latinoamericano con esta comedia mexicana del año 1968 dirigida por Fernando Cortés. Se trata de Agente 00 Sexy, con las actuaciones en los papeles principales de Fernando Luján, Irma Lozano y Amadee Chabot, Miss California del año 1964.

La aventura inicia con Ernesto Romero (Fernando Luján), un joven pueblerino que llega a la gran ciudad proveniente de San Andrés de Clacoquemeca a probar suerte como cantante en Televicentro. Como era de esperarse es abordado rápidamente por un embaucador que se presenta como un promotor de nuevos talentos, el gran agente Roberto Movidas (Guillermo Rivas), quien le solicitará continuos aportes económicos para los distintos trámites necesarios para lanzarlo al estrellato.


El sueño de Ernesto se desvanece tan rápido como su dinero y no es solo por culpa de haber sido timado por este fraudulento agente. No solo conoció estafadores al llegar a la capital, también se relacionó con Gloria (Irma Lozano), una trabajadora del canal con una debilidad por las causas perdidas y los tipos de aspecto bonachón. Sin agentes de por medio ella le pide a Mike Laure (interpretado por él mismo) que le consiga una audición con Romano (Antonio Bravo), el jefe de programación, para que evalúe la melodiosa voz de nuestro atolondrado protagonista y decida si es merecedor de una oportunidad en el canal.


La prueba resulta ser un fracaso rotundo por la falta de talento de Ernesto y así se lo hace saber el señor Romano por su propio bien. Ernesto se marcha muy afligido y ahí es cuando las cosas se ponen interesantes: en el momento en que se ve en medio de una balacera entre la policía y unos delincuentes, quienes lo montan en su auto y empiezan a referirse a él como "jefe".


A partir de ahí su vida da un giro de 180º y ve cómo dos esbirros apodados "El Nervios" (Héctor Lechuga) y "El Nazi" (Miguel Ángel Álvarez) esperan sus órdenes y cómo la sexy Angora (Amadee Chabot) espera toda clase de atenciones de su parte.

El día de hoy les traemos la segunda película turca en la historia de este blog, ese país que durante los años 70 y 80 realizó varias excéntricas contribuciones al mundo del cine de bajo presupuesto. La película que hoy nos atañe es Karateci Kiz o Karate Girl (o la variante Golden Karate Girl), que es como ha sido conocida internacionalmente.

Puede que el título y el afiche no les diga mayor cosa acerca de esta producción, pero es muy probable que en algún momento se hayan topado en YouTube con un video titulado "La peor escena de muerte en la historia del cine" o algo por el estilo. Dicha escena lanzó a la palestra a esta olvidada película de 1973 que ni siquiera se encuentra disponible en DVD y para verla hay que conformarse con viejas cintas de VHS con subtítulos pegados en distintos idiomas.


Pero esa escena del video ocurre casi al final, primero debemos hablar de las circunstancias que llevan a la protagonista a ese enfrentamiento armado cargado de realismo e intensidad. La historia comienza con una linda joven muda que se gana la vida vendiendo flores en las calles de su ciudad para ayudar a su viejo padre y a la vez reunir dinero para la operación que le permitirá recuperar la voz.


La armonía del hogar se rompe cuando en su camino se atraviesa una pandilla de criminales que recientemente escapó de la cárcel y durante su huida irrumpe en la vivienda de esta familia buscando dinero fácil. No conformes con llevarse un buen botín, los delincuentes deciden asesinar al anciano y quedarse a esperar el regreso de la hija para satisfacer más que simples necesidades económicas.


Afortunadamente para Zeynep (Filiz Akin) la violación se ve frustrada cuando patrullas de la Policía llegan a la zona y obliga a los malhechores a poner pies en polvorosa. No obstante, su alivio es efímero al descubrir el sangriento final que el destino le deparó a su padre y el asombro le hace pegar un grito desgarrador que en lo sucesivo le devuelve el don del habla. Digno de una telenovela mexicana o venezolana.

El día de hoy hablaremos de una película mucho más seria de lo que solemos reseñar en este espacio, pero siento que vale la pena dedicarle unas líneas a un largometraje que a pesar de haber sido producido por los míticos estudios Hammer no se encuentra entre los títulos más conocidos de la compañía británica ni cuenta con un reparto de estrellas, destacando solo los nombres de Kerwin Mathews y Donald Houston.

Maniac da inicio violentamente con un grupo de adolescentes, tres jóvenes y una chica, que se despiden una vez culminada la jornada escolar. La chica se desvía para emprender el camino a casa y se topa con Janiello (Arnold Diamond), un vecino del pueblo que amablemente le ofrece un aventón. Lo que va a suceder a continuación no solo le resulta evidente al espectador, sino que uno de sus amigos también lo sospecha y decide seguir el vehículo en su bicicleta. Al descubrir a Janiello abusando de Annette, corre a buscar al padre de la joven y este no se lo piensa dos veces para tomarse la justicia en sus manos.


Para la siguiente escena han transcurrido ya algunos años desde la violación y ahora Annette (Liliane Brousse) se encarga junto a su madrastra del negocio familiar: un bar y pensión en La Camarga, una región costera al sur de Francia. El padre por su parte se encuentra ahora en un hospital psiquiátrico, luego de que la justicia determinara que su acción de matar a Janiello quemándolo con un sopleta fuera un brote de locura. A ese lugar llega casi accidentalmente Jeff Farrell (Kerwin Mathews), en un principio solo de paso antes de continuar hacia Niza con Grace (Justine Lord); pero una pelea con su pareja le hace cambiar de planes y opta por instalarse una temporada en La Camarga.


Si bien en un primer momento Jeff centra su atención en la tímida Annette, la más experimentada Eve (Nadia Gray) no demora demasiado en seducir al estadounidense, rompiéndole el corazón a su pobre hijastra. Tras unas semanas de tórrido romance surge el inevitable tema de la imperiosa necesidad de deshacerse del marido para poder ser felices; pero no a través de ese rutinario recurso de asesinarlo porque va a ser puesto en libertad sino más bien desde un enfoque de lo más humanitario: el plan es ayudarlo a fugarse del manicomio y llevarlo a un puerto para que pueda escapar e iniciar una nueva vida. Darle la libertad a un paciente psiquiátrico a cambio de quedarse con su mujer. ¿Qué podría salir mal?

Este ha sido un mes de poca actividad, no porque haya visto menos películas de lo habitual sino porque las últimas semanas se han ido o bien en producciones de mayor presupuesto o bien películas tan nefastas que no tenía nada que contarles sobre ellas. De hecho, la película con la que cerraremos el mes de julio es de un corte más serio de lo que solemos reseñar en este blog y se trata de un drama penitenciario dirigido por el gran Juan Bustillo Oro: El asesino X.

Para quienes no lo conozcan, Juan Bustillo Oro fue un talentoso director y guionista mexicano, quien falleciera en 1989 en Ciudad de México, la misma ciudad que lo vio nacer 85 años antes. Hasta ahora yo solo había visto dos películas suyas, ambas de 1934 y tan buenas que aprovecho la ocasión para recomendárselas: Dos monjes, en donde se desempeñó como director y guionista; y El fantasma del convento, colaborando junto al director Fernando de Fuentes en la elaboración del guión. El asesino X, producida dos décadas más tarde, me ha mostrado a un Juan Bustillo Oro igualmente efectivo en la dirección y guión de un género distinto y lamentablemente a día de hoy es un título que continúa sin estar disponible en DVD. Tuve que conformarme con verla gracias a una emisión del canal De Película.

La película comienza por el final, con un hombre hablando con un guardia y lamentándose por no haber podido obtener ninguna confesión del preso recientemente ejecutado. Pasan los créditos de presentación y seguidamente vemos al mismo hombre presentando el contenido del expediente #320462, con el caso del estado de California contra el señor X por homicidio con todas las agravantes, y dirigiéndose a la cámara para contar la historia de este hombre. Este caballero es el señor Harrison García (Carlos López Moctezuma), alcaide de la prisión.


Bajo la solemne voz de un narrador que empieza su relato diciendo "Esta es la sombría historia de un hombre cuyos pasos ya no resuenan en la tierra", vemos al protagonista usurpar la identidad de un tal Robert Francis para ingresar a la residencia de Frank Richards y ultimarlo de cinco disparos; a pesar de la insistencia de este Richards por darle una importante suma de dinero como parte de todo lo que le correspondía.


Como habrán podido notar, los nombres de los personajes son anglosajones y ya les mencioné que la trama se desarrolla en Estados Unidos, concretamente en el estado de California; en concordancia con ello todos los carteles que se ven en las calles se encuentran también en la lengua de Shakespeare. Todo eso da lugar a un detalle simpático y es que siempre se hace hincapié en el origen mexicano del asesino y durante el juicio se menciona el acento característico que tiene al hablar en inglés, si bien todos están hablando en español y todos los integrantes del reparto son mexicanos.


Si bien el asesino se entrega voluntariamente tras cometer el crimen, este se refugia en una amnesia deliberada a fin de ocultar no solo su móvil sino también su identidad. En consecuencia, por obra de los periodistas y los mismos policías empieza a ser conocido por los nombres de "señor X" o "asesino X"; y una vez dentro del sistema penitenciario, simplemente como reo 10826. No obstante, nosotros como espectadores conocemos que su verdadera identidad es la de Carlos Encinas (Manuel Fábregas), un hombre que escapó desde muy temprana edad de su México natal y a quien su madre ha reconocido en los artículos que han sido publicados en la prensa respecto a este misterioso delincuente anónimo.


Su madre, la señora Encinas (Doña Prudencia Griffel), le escribe una carta al alcaide manifestándole su angustia al notar un gran parecido entre el acusado y su hijo al que no ve desde hace más de veinte años. En este punto la historia cae en el melodrama típico del cine mexicano de esa época y el carcelero Harrison García se conmueve por ser él mismo hijo de una mujer mexicana y abandona temporalmente su cargo para ocuparse de la defensa del señor X.

El día de hoy tenemos una figura recurrente dentro del cine B clásico y es la del hombre con disfraz de gorila. En el caso particular de Gorilla at Large, la película se aleja completamente de los géneros del terror y la ciencia ficción y su argumento toma el camino de la intriga policial donde el objetivo principal es el de descubrir la identidad del asesino.

Tal vez por esa razón no haya llegado con más fama a nuestros días. No es lo suficientemente mala como para verla por el puro placer de reír con la bestia y los efectos especiales propios de la época; pero al mismo tiempo la inclusión del gorila y un hombre disfrazado que se hace pasar por él para cometer sus crímenes puede hacer que un espectador en busca de un cine más serio la descarte a pesar de contar con algunos nombres interesantes en el reparto actoral. A pesar de ello, en su momento llegó a ser distribuida en el mercado hispano bajo el terrorífico título de "La bestia negra".


Fue precisamente el reparto lo otro que hizo que fijara mi atención en Gorilla at Large, al tener entre los personajes principales a dos grandes actores de Hollywood que siempre me han parecido estupendos: Lee J. Cobb y Raymond Burr. Si el nombre de este último no les termina de sonar, fue el actor encargado de dar vida al personaje del abogado Perry Mason en aquella famosa serie de televisión.


Pero dejemos ya los preámbulos y entremos de lleno con los detalles de la trama. La acción transcurre en un parque de atracciones conocido bajo el sugerente nombre de "The Garden of Evil" y cuya figura central es un gorila que ha sido bautizado como Goliath, anunciado como el más grande del mundo y del que cuenta la leyenda se cobró la vida de mil hombres antes de ser capturado y llevado a Estados Unidos para el solaz del hombre blanco.

Para el día de hoy tenemos toda una mezcla cinematográfica, puesto que Evilenko es una producción italiana dirigida por David Grieco, basada en la historia del maestro y asesino en serie ruso Andrei Chikatilo, y que cuenta en sus roles principales con dos británicos (Malcolm McDowell y Ronald Pickup) y un neozelandés (Marton Csokas).

Algunas críticas negativas que he leído en torno a esta película apuntan al hecho habitual en estos casos en que la película no es del todo fiel al caso real. Yo no estoy familiarizado en lo absoluto con los crímenes de Andrei Chikatilo y lo único que sé se limita al artículo de la Wikipedia; pero sí debo darles por lo menos el beneficio de la duda basándome en el nombre elegido para su versión cinematográfica: Andrej Romanovic Evilenko. Tratándose de una película en inglés, eso de Evil-enko suena como a villano de Austin Powers. No obstante, yo preferí considerarla como una obra de ficción que meramente se había inspirado en un caso de la vida real y pude disfrutar de esta perturbadora película.

Lo más destacado de Evilenko es el actor elegido para interpretar a este asesino. ¿Qué mejor rostro que el de Malcolm McDowell para encarnar a un asesino pederasta y caníbal? A mí no me viene a la mente nadie más idóneo entre los actores occidentales de la actualidad. Definitivamente de no saber de quién se trata, sería una persona con la que no me gustaría compartir un ascensor o cualquier otro espacio cerrado.


Situándonos en el contexto de la historia, la película ubica a Evilenko en 1984 y es un maestro de escuela al igual que Andrei Chikatilo (si bien este cometió su primer asesinato en 1978). La Unión Soviética daba sus últimos estertores y eso le sentaba muy mal a un comunista de corazón como el bueno de Andrej, que presenciaba indefenso cómo el país por el que había luchado toda su vida amenazaba con desmembrarse y desaparecer. Pero Evilenko no solo pasaba sus días pensando en el glorioso pasado de su nación, también había tiempo para actividades extracurriculares con sus alumnos.


A la esposa evidentemente no podía contarle el verdadero motivo por el cual había dejado su puesto como maestro, así que en sus delirios inventó que había otra maestra enseñando ideas contrarias al comunismo y que el director del plantel se había puesto de parte de esa docente, por lo que él, indignado, no pudo hacer otra cosa que renunciar. Su comprensiva y amorosa esposa no duda por un instante en ponerse de su parte y de paso lo incita a escribir cartas incendiarias al Partido Comunista.


En un giro fantasioso de la historia cinematográfica que nada tiene que ver con el personaje de la vida real, dichas misivas le sirven a Evilenko para recibir la visita de una importante figura del Partido, quien lo recluta para pasar a formar parte de la KGB e investigar a supuestos traidores. Este nuevo empleo le permite trasladarse a lo largo y ancho de la geografía rusa, dejando una extensa lista de víctimas y confundiendo a la Policía, llegando a considerarse incluso que pudiera haber más de un asesino en acción.

El día de hoy hablaremos de una oscura película británica de apenas 1 hora de duración, que si bien en IMDb aparece listada dentro del género de terror, yo la catalogaría simplemente como una historia de crimen y misterio.

La película inicia en el pasado, 14 años previos a la fecha de su exhibición, con un trío de soldados británicos que han sido capturados en territorio birmano por parte de las tropas japonesas. El líder de la misión nipona les exige enérgicamente a cada uno de ellos que revele información crítica sobre sus compañeros de batalla, y ante su negativa, vemos cómo en castigo les amputa la mano derecha. Ese vendría a ser el único aspecto terrorífico de The Hand.


De vuelta a 1960, un policía encuentra en la calle a un indigente con su mano derecha recientemente amputada. Este hombre, llamado Charlie Taplow, es trasladado a un hospital y dos oficiales son asignados al caso para descubrir qué historia se esconde detrás de esa amputación.


Para su sorpresa descubren que el hombre aceptó de buen grado a perder su mano derecha a cambio de 500 libras esterlinas y que el peculiar procedimiento fue llevado a cabo en una hospital. La víctima fallece (asesinada presumiblemente) y entre sus pertenencias encuentran además una pista que los dirige al sitio en donde fue realizada la operación.